Lotto e Leopardi, due artisti a Recanati

Ci sono artisti che devono attendere secoli per essere compresi e questo dato rappresenta, per certi versi, la capacità della loro arte di non esaurirsi nel tempo in cui è nata, ma di saper parlare anche alle generazioni future. È il caso della produzione artistica di Lorenzo Lotto, pienamente compresa solo nel Novecento, anche grazie all’opera di Bernard Berenson, che, nel 1895, pubblicò un’innovativa monografia sul maestro veneziano.
Fu, questo, l’inizio di una riscoperta dell’artista, al quale nella seconda metà del secolo scorso vennero dedicate mostre significative, a partire da quella di Ancona del 1950, che allineò alcuni dei suoi quadri più belli -e all’epoca quasi sconosciuti-, per giungere alla memorabile monografica del 1953 negli spazi di Palazzo Ducale a Venezia, per la curatela di Pietro Zampetti.
Un ulteriore importante tassello nella rivalutazione di Lorenzo Lotto è stato fatto dal convegno tenutosi nel 1980, in occasione del quinto centenario della nascita dell’artista, sempre per la curatela di Pietro Zampetti, che ha messo in luce i rapporti del maestro con Dürer e con la grafica nordica, la sua presenza a Roma negli anni e nel cantiere Vaticano di Raffaello, gli incroci e le tangenze stilistiche con Pordenone, Correggio e Tiziano.
Ad interessare furono anche il profilo esistenziale, spirituale e psicologico del pittore. Di lui piacevano l’inquietudine e il nomadismo, il girovagare per i paesi e le parrocchie dell'Italia minore, le committenze marginali ed eccentriche, il suo ritiro, negli anni estremi della vita, «solo, senza fidel governo et molto inquieto de la mente» come fratello laico nella Santa Casa di Loreto, città dove morì negli ultimi mesi del 1556.

Proprio a breve distanza dalla città marchigiana, nel centro di Recanati, è in corso una mostra dedicata a Lorenzo Lotto, nella quale la sua opera viene posta in relazione con quella di un’altra anima inquieta che ha dato lustro a questa terra: Giacomo Leopardi, la cui poetica si è articolata soprattutto intorno al racconto dell’infelicità umana. Villa Colloredo Mels è lo scenario di questo inedito dialogo tra due uomini meditativi e contemplativi, che sentirono l’esigenza di rendere visibile -l’uno attraverso la pittura, l’altro per mezzo della scrittura- la realtà e il proprio conflitto interiore.
Lorenzo Lotto fu definito da Bernard Berenson «il primo pittore italiano ad essere sensibile ai mutevoli stati dell’animo umano», un «pittore psicologico in un’epoca che stimava quasi soltanto forza e gerarchia, un pittore personale in un’epoca in cui la personalità stava per diventare meno stimata del conformismo, evangelico di cuore in un paese in cui un cattolicesimo rigido e senza anima ogni giorno più rafforzava la sua presa».
Il pittore veneto ha mostrano nelle sue opere fragilità, debolezze e turbamenti, uomini e donne che ci comunicano la loro solitudine quasi per chiederci la complicità di uno sguardo, di una parola, quasi per chiamarci a un rapporto di amicizia, per essere ascoltati.

La mostra di Recanati prende avvio da alcuni capolavori che l’artista veneto ha lasciato a Recanati, a cominciare dalla splendida e rivoluzionaria «Annunciazione», di proprietà museo civico di Villa Colloredo Mels, tela in cui la Vergine è colta alle spalle e ha quasi il timore di volgere il capo verso l’angelo. Questa tela è esposta a Recanati, nell’allestimento curato dall’ architetto Bruno Mariotti dello studio CH Plus, accanto ad altre significative testimonianze della pittura di Lorenzo Lotto, sempre di proprietà del museo: il polittico di San Domenico, la pala della «Trasfigurazione» e il «San Giacomo Maggiore». Si trovano, inoltre, esposte altre significative testimonianze dell’artista come la travolgente «Caduta dei Titani», di collezione privata, e i ritratti «Giovane gentiluomo» delle Gallerie dell’Accademia di Venezia, il «Gentiluomo con lettera (Fioravante Avogaro)», di raccolta privata, e il «Ritratto di Ludovico Grazioli» della Fondazione Cavallini Sgarbi.
Al percorso lottiano si unirà strettamente quello su Leopardi con l’esposizione straordinaria di documenti, manoscritti e cimeli del poeta, unici e significativi, la cui selezione e cura scientifica è stata affidata alla professoressa Laura Melosi e al dottor Lorenzo Abbate della cattedra leopardiana dell’Università di Macerata. Un’occasione, questa, per scoprire le singolari assonanze tra due artisti, che -per usare le parole di Vittorio Sgarbi- a Recanati «hanno lasciato il loro segreto».

Informazioni utili
Solo, senza fidel governo et molto inquieto de la mente. Lorenzo Lotto dialoga con Giacomo Leopardi. Villa Colloredo Mels – Recanati. Orari: dal martedì alla domenica, ore 10.00-13.00 e ore 15.00-18.00; chiuso il 25 dicembre e il 1° gennaio. Ingresso: biglietto unico mostra e circuito Recanati Musei intero € 10,00; ridotto € 7,00 (gruppi minimo 15 persone, possessori di tessera FAI, Touring Club, Italia Nostra, Coop, Alleanza 3.0 e precedenti Adriatica, Bordest, Estense, gruppi accompagnati da guida turistica abilitata); ridotto € 5 (Recanati Card, aderenti Campus l’Infinito, gruppi da 15 a 25 studenti); omaggio minori fino a 19 anni (singoli), soci Icom, giornalisti muniti di regolare tesserino, disabili e la persona che li accompagna. Con il biglietto di mostra si accede al circuito museale di Recanati: Musei Civici di Villa Colloredo Mels, Museo dell’Emigrazione Marchigiana, Museo Beniamino Gigli, Torre del Borgo. Informazioni e prenotazioni: Sistema Museo Call center 0744.422848 (dal lunedì al venerdì, ore 9-17, sabato, ore 9-13, escluso i festivi) - callcenter@sistemamuseo.it; Villa Colloredo Mels, tel. 071.7570410 - recanati@sistemamuseo.it. Sito: www.infinitorecanati.it. Fino all’8 aprile 2018.

Locarno, la Fondazione Ghisla Art Collection riapre con Mario Nigro

Riapre a marzo con un nuovo allestimento la Fondazione Ghisla Art Collection di Locarno, ente istituito nel 2014 con l’intento di mettere a disposizione della collettività un patrimonio arti-stico di valore internazionale, che allinea capolavori assoluti dell’ultimo secolo, dalla Pop Art all’Informale, dal Concettuale all’Astrattismo e al New Dada. Sede della collezione è un edificio degli anni Quaranta, in pieno centro storico e vicino ai Giardini Rusca, trasformato dallo studio di architettura Moro e Moro di Locarno in una struttura futuristica: le finestre sono state tutte chiuse e le facciate sono state interamente rivestite con un involucro isolante ventilato, dando vita a una sorta di prisma essenziale, la cui unica apertura esterna è costituita dall’ingresso, raggiungibile con il ponte grigliato che dalla panchina lungo il marciapiede attraversa il vicino canale d’acqua per immettersi nell’imbuto nero.
Magritte, Miró, Picasso, Vasarely, Dubuffet, Botero, Kounellis, Boltansky, Basquiat, Wesselmann, Twombly, Lichtenstein, ma anche maestri che hanno segnato l’arte italiana degli ultimi cinquant’anni come Fontana, Bonalumi, da Castellani, a Pistoletto, sono solo alcuni degli artisti che i coniugi Pierino e Martine Ghisla hanno scelto per il loro museo, uno spazio che permette al pubblico di confrontarsi anche con la danza e la musica.

In questo spazio, al terzo piano, la Fondazione Ghisla Art Collection di Locarno organizza ogni anno almeno due mostre temporanee. Protagonista della prima esposizione ideata per il 2018, in agenda dal 18 marzo al 2 settembre, è Mario Nigro (Pistoia 1917 - Livorno 1992), uno dei protagonisti dell’arte italiana della seconda metà del ’900.
Il pittore toscano si situa nell’ambito dell’arte astratta in modo del tutto personale. A partire dalla fine degli anni Quaranta, realizza opere che guardano ai maestri delle avanguardie storiche -Kandinsky, Klee e Mondrian-, sposando le sollecitazioni di matrice più lirica con un uso rigo-roso della geometria. Un decennio dopo, all’inizio degli anni Cinquanta, l’artista giunge alla definizione del suo primo grande ciclo compiuto, quello dello «spazio totale», in cui struttura e colore dialogano in modo continuo, generando intensi dinamismi.
La rassegna, curata da Paolo Bolpagnie Francesca Pola, si intitola «Gli spazi del colore» e allinea trentacinque opere che indagano il rapporto dell’uomo con lo spazio, inteso come luogo del divenire, luogo entro cui, nel tempo, l’azione si compie. Nelle fasce pittoriche vettoriali delle opere di «spazio totale», che lasciano campo alla libertà dei segni grafici che si intrecciano a formare reti e reticoli o a costruire forme vibranti che agiscono a raggiera, si riconosce questo intento dell’artista che volge alla essenzialità.

In questo percorso, l’artista raggiunge prima una liberazione dalla rete di segni creando scansioni di segmenti obliqui tra loro paralleli che, per righe successive, riempiono il piano o la figura geometrica nelle progressioni del suo «tempo totale»; arriva poi alla massima semplificazione nelle opere dedicate alla «analisi della linea», in seguito spezzata a mimare il tracciato di un lampo o la fessurazione del suolo a seguito di un terremoto (da qui la denominazione del ciclo dei «terremoti») per giungere agli «orizzonti» dove un tratto orizzontale è l’unico elemento di narrazione.
Siamo alla fine degli anni Ottanta quando Nigro riprende un uso espressivo del colore, con opere in cui le pennellate per lo più orizzontali prendono densità e diventano fortemente incisive, quasi l’artista intenda partecipare ai drammatici rivolgimenti della storia con un suo canto drammatico (un ciclo è fatto di «dipinti satanici») al colore, che, forzato con la gestualità dei segni, sembra diventare unico protagonista della sua pittura.
Poi tutto si placa con le «meditazioni» fatte di un pacato disporre di rettangoli di colori che si rarefanno nel tempo e con le «strutture» in cui i rettangoli sono costituiti da segni puramente cromatici, che danno nuova sostanza allo spazio.

Per comprendere meglio l’artista non possiamo dimenticare che il variare della sua poetica era conseguenza diretta dell’attenzione che poneva al mondo reale, alle situazioni sociali, agli eventi, ai cambiamenti, alle persone, a se stesso. Una pittura quindi non avulsa dal tempo, come potrebbe essere ritenuta l’arte astratta, ma ben immersa dentro la storia.

Didascalie delle immagini
[Fig. 1] Veduta dell’esterno della Fondazione Ghisla, a Locarno;  [fig. 2] Mario Nigro, Spazio totale, 1953. Tempera verniciata su tela, 100 x 73. Fondazione Ghisla Art collection. ©Archivio Mario Nigro; [fig. 3]Mario Nigro, [Senza titolo], 1956. Tempera murale su tela, 148 x 135 cm. Stomor Arte, Milano. ©Archivio Mario Nigro / Courtesy A arte Invernizzi, Milano; [fig. 4] Mario Nigro, Da i dipinti satanici: lotta, 1989. Olio su tela, 218 x 207 cm. Collezione privata, Milano. ©Archivio Mario Nigro / Courtesy A arte Invernizzi, Milano

Informazioni utili
Mario Nigro. Gli spazi del colore. Fondazione Ghisla Art Collection, via Ciseri, 3 – Locarno. Ora-ri: da mercoledì a domenica, ore 13.30 -18.00. Ingresso alla Fondazione, comprensivo di mostra e audio guida: Fr. 15.- adulti, Fr. 13.- AVS, Fr. 12.- ragazzi dai 12 ai 18 anni e studenti, bambini fino a 12 anni gratuito. Informazioni: tel (+41).91.7510152 o info@ghisla-art.ch. Sito web: www.ghisla-art.ch. Dal 18 marzo al 2 settembre 2018

«Art City Bologna»: dalla Fiera al centro storico, tre giorni di eventi

Compie sei anni e si rinnova «Art City Bologna», il programma istituzionale di eventi e iniziative speciali promosso dall’Amministrazione comunale, in collaborazione con BolognaFiere, per i giorni della grande kermesse fieristica d’arte moderna e contemporanea che, ormai da quarantadue anni, caratterizza l’inverno bolognese.
In questa edizione, che vede la direzione artistica di Lorenzo Balbi, la città felsinea sarà scenario, nelle giornate da venerdì 2 a domenica 4 febbraio (ArteFiera rimarrà aperta anche lunedì 5), di un progetto speciale dell’artista Vadim Zakharov, protagonista della performance «Tunguska Event, History Marches on a Table», ideata per il centenario della Rivoluzione russa.
La rassegna, che si presenta con un nuovo format, prevede anche una decina di eventi che esplorano le contaminazioni tra i vari linguaggi del contemporaneo.

Protagonisti di questi appuntamenti, ideati appositamente per la città di Bologna, sono alcuni dei nomi più interessanti della scena nazionale e internazionale: Katarina Djzelar, Yuri Ancarani, Jacopo Mazzonelli, Erin Shirreff, Luca Pozzi, Home Movies + Giuseppe De Mattia, Hana Lee Erdman, CT (Matteo Ceretto Castigliano), Roberto Pugliese e Alessandra Messali.
La performance «Tunguska Event, History Marches on a Table», presentata recentemente alla Whitechapel Gallery di Londra e in anteprima assoluta per l’Italia, prevede tre rappresentazioni per centocinquanta spettatori a replica (venerdì 2 e sabato 3 febbraio, alle ore 19; domenica 4 febbraio, alle ore 17) negli spazi dell’ex Gam – Galleria d’arte moderna, a pochi passi dalla sede di ArteFiera. «Invitati a sedersi intorno a un insolito palcoscenico -un tavolo rettangolare lungo diversi metri, sopra il quale agisce un cast di attori e ballerini- gli spettatori -raccontano gli organizzatori- assisteranno alla rievocazione di alcuni eventi capitali avvenuti nella prima metà del Novecento, in un viaggio umoristico attraverso il tempo e la storia».
Nell'ottica di avvicinare sempre di più il polo fieristico al contesto cittadino, «Art City Bologna» coinvolgerà anche un altro spazio iconico che si affaccia su piazza Costituzione: il Padiglione de l’Esprit Nouveau, oggetto di un recente restauro conservativo sostenuto dalla Regione Emilia-Romagna e dal Comune di Bologna, che ne ha restituito la fruizione pubblica.
In questo spazio l’artista serba Katarina Zdjelar, con la curatela di Lorenzo Balbi, presenterà il progetto espositivo «Ungrammatical», che ripercorre la sua produzione degli ultimi anni, incentrata sull’esplorazione dei limiti e delle potenzialità del linguaggio, mettendo in dialogo diretto le opere con lo spazio architettonico in cui si inseriscono. Tra i video visibili in mostra ci saranno «My Lifetime (Malaika)» (5’37”, 2012), nel quale si racconta la capacità della musica di superare le barriere etniche e linguistiche attraverso le riprese di alcuni musicisti dell’Orchestra sinfonica nazionale del Ghana, e «The Perfect Sound» (14’30”, 2009), che affronta il fenomeno dell'integrazione culturale attraverso la cancellazione della differenze di pronuncia, osservando un logopedista impegnato nell'esecuzione di esercizi fonetici per rimuovere l'accento straniero di un suo cliente a Birmingham.

Spostandosi nel centro storico, Yuri Ancarani stabilirà un rapporto emozionale con lo spazio contemplativo della Cappella di Santa Maria dei Carcerati in Palazzo Re Enzo, arricchita dal wall drawing permanente di David Tremlett, presentando la video-installazione «La malattia del ferro», a cura di Eva Brioschicollage di immagini girate da camere fisse documenta, con sguardo asettico e nitido, la vita di questo gigantesco ammasso di ferro in cui la presenza umana è quasi completamente assente, in un intreccio di paesaggio naturale e paesaggio antropico che ricorre spesso nella poetica dell’artista.
Il Museo internazionale e biblioteca della musica accoglierà l’intervento «Sonografia» di Jacopo Mazzonelli, a cura di Chiara Ianeselli, che si concentra sul segno musicale inteso come alfabeto sonoro. Le opere, disposte nelle due sale dedicate agli eventi temporanei e all’interno del percorso espositivo al piano superiore del museo, riflettono sull’origine delle composizioni musicali, portando in primo piano la natura degli strumenti.
Centrale nell’esposizione, che nella sera del 3 febbraio sarà arricchita da una performance del compositore Matteo Franceschini, è il lavoro «ABCDEFG» (2016-2017), costituito da sette pianoforti verticali dei primi del Novecento modificati dall’artista in modo da ridurre la loro capacità sonora solo a una delle sette note della scala musicale.
Nel Salone Banca di Bologna di Palazzo De’ Toschi continua l’esplorazione di alcuni degli artisti più interessanti della scena internazionale con la prima personale in Italia, a cura di Simone Menegoi, di Erin Shirreff, artista di origini canadesi.

La mostra si compone di due parti: un video, proiettato in dimensioni cinematografiche, e una serie di sculture. Il video, che alterna sequenze filmate e di animazione, si incardina su una forma circolare che muta lentamente nel corso di quasi un’ora; la sua origine emotiva e concettuale è la visione, da parte dell’artista, dell’eclisse totale di Sole del 21 agosto 2017. Le sculture, che combinano materiali duraturi ed effimeri, sono presentate in un allestimento che suggerisce modelli in scala ridotta e paesaggi.
Anche in questa edizione «Art City Bologna» interesserà l’area vicino a via Zamboni, la zona universitaria, con una serie di iniziative culturali. A Palazzo Magnani, nella Sala dei Carracci, si terrà, per esempio, il progetto site-specific «The Grandfather Platform» di Luca Pozzi, a cura di Maura Pozzati, promosso da Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna con UniCredit. La piattaforma ideata dall’artista permette, da una parte, di ammirare a distanza ravvicinata gli alti affreschi carracceschi, dall’altra di iniziare un viaggio dimensionale quantistico tra tempi diversi non linearmente interconnessi: dalle prospettive futuristiche della cosmologia e della fisica teorica del nuovo millennio al 753 a.C., anno della fondazione della città di Roma ed epicentro temporale non solo del nostro Paese ma probabilmente dell'Europa intera.

Via Zamboni, con gli elementi architettonici che la caratterizzano, diventerà, invece, un originale dispositivo di visione, a passo e velocità variabile, per l’intervento di arte pubblica «Street/Frames», ideato e curato da Home Movies + Giuseppe De Mattia. L’installazione, concepita per una fruizione differente, in differita ed espansa, si compone di sequenze di pellicole 8mm e 16mm, selezionate dall’Archivio di Home Movies, tra migliaia girate a Bologna da tanti cine-occhi amatoriali, collettori di momenti e dettagli da restituire alla città e agli occhi dei suoi abitanti.
A breve distanza, presso la Fondazione Collegio Artistico Venturoli, l’artista e coreografa Hana Lee Erdman presenta «Animal Companion and Telepathic Elegance», una performance che invita i partecipanti a espandere il proprio repertorio relazionale, apprendendo e applicando i principi che informano i rapporti tra animali appartenenti a specie diverse per esplorare forme non discorsive della relazione quali prossimità, tatto e telepatia.

Al Velostazione Dynamo – Bologna va, invece, in scena «B-wall», il format che prevede di invitare un artista, con cadenza annuale, a realizzare un’opera murale nella sala all’ingresso della struttura, un hub di servizi dedicati alla mobilità in bicicletta. Quest’anno tocca a CT (Matteo Ceretto Castigliano), la cui ricerca, nata nell'ambito del graffiti writing, si è evoluta verso forme astratte di stampo minimalista.
Roberto Pugliese si confronterà, invece, con il seicentesco Teatro Anatomico dell’Archiginnasio con «Transanatomy», un progetto espositivo, a cura di Felice Moramarco, incentrato sui processi di ibridazione tra uomo e macchina, animato e inanimato, naturale e artificiale. Sul tavolo in marmo posto al centro dello spazio, la scultura sonora «Equilibrium Variant» si anima grazie a due bracci meccanici che interagiscono mediante un sistema di feedback sonori, riproducendo una delle modalità con cui gli esseri viventi si costituiscono come soggetti, ovvero, tramite un processo di continua negoziazione con l’ambiente esterno.
Il programma di «Art City Bologna» si conclude con l’incursione museografica «Lo Slancio», ideata da Alessandra Messali per il Museo della Specola, a cura di Giulia Morucchio e Irene Rossini. L’intervento, che si ispira alle molteplici possibilità di lettura di un contesto museografico, mette al centro la figura dell’astrofilo, la cui pratica è raccontata nel corso di una visita guidata -condotta dalle guide del museo a partire da un testo composto dall’artista- che ha come tema il rapporto tra osservazione, conoscenza e rappresentazione, tra attività amatoriale e professionismo.

A consolidare questa narrazione, all’interno della collezione permanente della Specola sono inseriti alcuni materiali e produzioni amatoriali, raccolti in collaborazione con realtà astrofile del territorio italiano.
«ArtCity Bologna» prevede, inoltre, una serie di iniziative per avvicinare un pubblico eterogeneo al linguaggio dell’arte: in numerosi luoghi del circuito sarà presente una mediazione culturale a cura degli operatori didattici adibiti ai servizi di prima accoglienza, si terranno delle passeggiate «Walk on Art» per i più piccoli, e, in tutte le sedi espositive coinvolte, gli gli orari di apertura saranno estesi e sarà previsto l’ingresso gratuito, e in alcuni casi ridotto, per i possessori del biglietto di ArteFiera. Lo stesso biglietto, nel week-end dal 2 al 4 febbraio, consentirà l’ingresso gratuito in tutte le sedi dell'Istituzione Bologna Musei.
Non mancherà la tradizionale Notte Bianca dell’arte che, sabato 3 febbraio, prevede l’apertura fino all 24 di numerosi sedi espositive cittadine: una grande festa che fa da cornice alla kermesse fieristica più importante d’Italia, ArteFiera, che quest’anno, sotto la direzione di Angela Vettese, vedrà la partecipazione di centocinquantadue gallerie e trenta espositori legati all’editoria e alla grafica.

Didascalie delle immagini
[Figg. 1, 2 e 3] Vadim Zakharov, Tunguska Event, History Marches on a Table; [fig. 4] Katarina Dzjelar, My lifetime, 2012- Hd video, 5 minuti e 37 secondi. Courtesy l'artista e SpazioA di Pistoia; [fig. 5] Teatro anatomico dell'Archiginnasio. Foto di Alessandro Gaffuri; [figg. 6 e 7] Luca Pozzi, Wilson Tour, 2017. Lanci reali di palline da tennis davanti alle storie della fondazione di Roma. Coutersy Galleria Luger e Galleria Astuni; [fig. 8]  Jacopo Mazzonelli, ABCDEFG, 2015/2016. Pianoforti verticali - dimensioni variabili. Foto di Nadia Baldo. 


Informazioni utili 
Il programma completo degli appuntamenti è disponibile su: www.artcity.bologna.it | www.artefiera.it. L'hashtag ufficiale della manifestazione è #ArtCityBologna.