A Venezia un convegno internazionale su Lucio Fontana, il maestro dello Spazialismo

«[…] Per andare più in là cosa devo fare? Io buco, passa l’infinito di lì, passa la luce, non c’è bisogno di dipingere. Tutti han creduto che io volessi distruggere: ma non è vero, io ho costruito, non distrutto […]». Così Lucio Fontana (Rosario - Santa Fè - Argentina, 19 febbraio 1899 - Comabbio - Varese - Italia, 7 settembre 1968), il maestro dei «Tagli» e dei «Buchi», universalmente riconosciuto come il padre dello Spazialismo, movimento del quale scrisse (insieme con Giorgio Kaisserlian, Beniamino Joppolo e Milena Milani) il Manifesto programmatico nel 1947, spiegava la sua ricerca creativa, mossa dalla volontà di andare oltre la bidimensionalità della tela e la tridimensionalità statica della scultura alla scoperta della «quarta dimensione», dell’«infinito».

Considerato uno degli artisti più influenti del Novecento, l’autore italo-argentino, con alle spalle solidi studi in scultura con Adolfo Wildt all’Accademia di Belle arti di Brera, seppe tracciare, nel secondo Dopoguerra, una via alternativa al Neorealismo figurativo di Renato Guttuso e alle provocazioni concettuali di Piero Manzoni e Alberto Burri con un’arte che era semplice gesto e pura idea.

Autore di centinaia di opere, che dal novembre 1982 vengono certificate e autenticate da una fondazione nata a Milano per iniziativa della moglie Teresita Rasini, Lucio Fontana è sempre più al centro di esposizioni e pubblicazioni. Ed è altresì una vera e propria garanzia per i collezionisti, rivelandosi un investimento non solo al riparo dalle mode del momento, ma anche sempre più quotato sul mercato internazionale (lo scorso maggio Sotheby’s ha battuto all’asta a New York un «Concetto spaziale - La fine di Dio» dalle accese tonalità gialle, proveniente dalla collezione Cindy e Howard Rachofsky, a 23 milioni di dollari).

Per approfondire la figura dell’artista, alla luce degli studi più recenti, anche quelli sull’aspetto conservativo delle sue opere, la Fondazione Lucio Fontana, di concerto con l’Istituto di storia dell’arte della Fondazione Giorgio Cini e con il sostegno di Intesa San Paolo, ha ideato e promosso un convegno internazionale di studi della durata di due giorni, a ingresso libero fino a esaurimento dei posti disponibili, in cartellone giovedì 5 e venerdì 6 dicembre a Venezia, che vedrà la partecipazione di ventuno relatori.

«Lucio Fontana: origini e immaginario» è il titolo dell’appuntamento, che si avvale del coordinamento scientifico di Silvia Ardemagni, Luca Massimo Barbero e Maria Villa, e che gli studiosi potranno seguire anche on-line, sul canale YouTube dell’istituzione lagunare, ripercorrendo la vitale parabola creativa dell’artista italo-argentino, caratterizzata da sperimentazioni costanti, in un percorso che spazia dagli anni Venti al termine degli anni Sessanta del XX secolo.

«Il convegno riconferma l’interesse manifestato dalla Fondazione Giorgio Cini nei confronti del maestro italo-argentino, protagonista di diversi momenti di approfondimento ospitati e promossi dall’istituzione veneziana: la «Mostra di Disegni e Opere Grafiche di Lucio Fontana» già nel 1972; il convegno del 2014 «Arte figurativa e arte astratta 1954-2014» e la borsa di studio «Lucio Fontana, periodo argentino: monumenti progetti e opere» bandita nel 2022 nuovamente in stretta sinergia con la Fondazione Lucio Fontana», spiega Luca Massimo Barbero, direttore dell’Istituto di Storia dell’arte.

Un primo focus della due giorni sarà riservato, nella mattinata di giovedì 5 dicembre, a indagare l’immaginario che ha nutrito l’avanguardia fontaniana. Ester Coen, docente di storia dell’arte contemporanea all’Università degli studi dell’Aquila, parlerà delle radici futuriste. Nico Stringa, già docente all’Università Ca’ Foscari a Venezia, approfondirà il rapporto con Arturo Martini. Valerio Terraroli, professore ordinario all’Università degli Studi di Verona, terrà un intervento sulla scultura in ceramica. Francesco Tedeschi, dell’Università Cattolica di Milano, parlerà del dialogo instaurato con l’Astrattismo italiano ed europeo. Infine, Giovanni Bianchi, docente all’Università degli studi di Padova, terrà una relazione dal titolo «Intorno allo Spazialismo veneziano: il richiamo dell’ombra in Mario Deluigi e in Lucio Fontana».

Un secondo piano di riflessione si concentrerà, nel pomeriggio di giovedì 5 dicembre, sui luoghi fontaniani, in un percorso in bilico tra Argentina e Italia. La storica dell’arte Daniela Alejandra Sbaraglia racconterà gli esordi dell’artista nell’atelier del padre scultore e la sua formazione negli anni Venti a Rosario, mentre Lorena Mouguelar seguirà le tracce della «nuova sensibilità» che emergeva, proprio in quel periodo, nel Paese latinoamericano. Luca Bochicchio, dell’Università degli Studi di Verona, porterà, dunque, il pubblico sulle rive del mar Ligure, nella vivace fornace di Albisola Marina, nel Savonese, importante fucina creativa per gli artisti novecenteschi, dove Lucio Fontana arrivò per la prima volta nel 1935, operando inizialmente alla manifattura di Giuseppe Mazzotti, e che frequentò fino agli anni Sessanta, come dimostra il suo atelier in piazza Pozzo Garitta. Sileno Salvagnini parlerà, invece, delle partecipazioni del maestro italo-argentino alla Biennale di Venezia, a partire dagli anni Trenta e fino al 1966, l’anno della vincita del Premio per la pittura con cinque tele bianche attraversate da un unico taglio. Mentre la storica dell’arte Giorgina Bertolino racconterà il rapporto dell’artista con la Torino degli anni Sessanta.

I lavori della giornata di venerdì 6 dicembre si apriranno, invece, con un focus sugli anni Cinquanta e Sessanta e sulla fortuna internazionale del maestro italo-argentino. «Il rapporto con Charles Damiano e il suo ruolo nella promozione internazionale di Fontana tra Inghilterra e Stati Uniti» è il titolo della prima relazione, a cura di Paolo Campiglio (Università degli Studi di Pavia); mentre Silvia Bignami (Università degli Studi di Milano) parlerà della presenza dell’artista a Parigi. Stefano Turina (Università Vita – Salute San Raffaele di Milano) analizzerà, invece, la precoce fortuna in Giappone, nel periodo tra il 1953 e il 1968. Infine, Francesco Pola (Università degli Studi di Torino) racconterà i rapporti con il Gruppo Zero in Germania.

Non mancherà, nella mattinata di venerdì 6 dicembre, una conferenza sul particolare e caratterizzante rapporto di Lucio Fontana con la materia, che vedrà come relatrice la restauratrice Barbara Ferriani.

Una parte del convegno verrà, poi, dedicata ad approfondire il tema delle mostre, selezionando alcuni casi di studio tra le numerosissime che hanno fornito delle letture critiche pionieristiche. Luca Pietro Nicoletti (Università degli Studi di Udine) racconterà l’interpretazione di Enrico Crispolti che si consolida a partire dalla mostra «Omaggio a Fontana» del 1963. Francesco Guzzetti (Università degli Studi di Firenze) si concentrerà sulla personale al Walker Art Center di Minneapolis nel 1966. Chogakate Kazarian (curatrice e storica dell’arte) ripercorrerà, un decennio dopo, la preparazione della mostra «Lucio Fontana, rétrospective», tenutasi nel 2014 al Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, illustrandone le questioni accademiche e pratiche e affronterà alcune riflessioni sull'impatto dell’esposizione. Marina Pugliese (Mudec, Milano) si soffermerà sulle ragioni della mostra «Lucio Fontana. Ambienti/Environments», allestita al Pirelli HangarBicocca nel 2017.

Infine, partendo dall’esposizione «Lucio Fontana. Scultpture», curata nel 2022 da Luca Massimo Barbero nella galleria newyorchese di Hauser & Wirth – negli stessi spazi dove l’artista ebbe, nel 1961, la sua prima personale statunitense -, Cristina Beltrami (storica dell’arte) racconterà come questa esperienza abbia offerto l’occasione di ribadire come l’artista italo-argentino sia stato in primis uno scultore.

In chiusura della sessione, e dell’intero convegno, Gianni Caravaggio rifletterà, attraverso la sua esperienza d’artista, sulla definizione dei «Concetti spaziali» di Lucio Fontana, come dispositivi che predispongono in modo evocativo a un peculiare e originario atto immaginativo e mentale.

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1.Lucio Fontana a Venezia, 1960-1961 ; 2. Lucio Fontana, Concetto spaziale, la luna a Venezia, 1961, acrilico su tela, buchi e vetri, 150 x 150 cm. Collezione Intesa Sanpaolo, Gallerie D’Italia, Milano. © Fondazione Lucio Fontana, Milano; 3. Lucio Fontana, Concetto spaziale, Attese, 1968, idropittura su tela, tagli, 100 x 81 cm. Collezione privata. © Fondazione Lucio Fontana, Milano; 4. Lucio Fontana, Concetto spaziale, 1954, olio e tecnica mista su tela, buchi e vetri, 65 x 80 cm. Collezione privata. © Fondazione Lucio Fontana, Milano; 5. Lucio Fontana, Concetto spaziale, 1962-63, terracotta smaltata, lustrata e squarci, 25,5 x 23,5 cm. Collezione privata. © Fondazione Lucio Fontana, Milano; 6. Lucio Fontana, Concetto spaziale, Venice moon, 1961, olio su tela, tagli e incisioni, 150 x 150 cm. Fondazione Lucio Fontana, Milano. © Fondazione Lucio Fontana, Milano; 7. : Lucio Fontana, Concetto spaziale, Teatrino, 1964-65, idropittura su tela, buchi e legno laccato, 102 x 83 cm. Collezione privata. © Fondazione Lucio Fontana, Milano; 8. Lucio Fontana, Concetto spaziale, Attese, 1959, aniline su tela, tagli e buchi, 97 x 130 cm. Fondazione Lucio Fontana, Milano. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

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«The Softest Hard»: Il 2025 di Museion Bolzano è all’insegna dell'«arte come resistenza urbana non violenta»

Si avvia verso il quarantesimo compleanno Museion, il museo d’arte moderna e contemporanea di Bolzano, diretto da Bart van der Heide e presieduto da Marion Piffer Damiani, che nel 2025 festeggerà l’anniversario con un progetto multidisciplinare intitolato «The softest Hard».

Mostre ed eventi collaterali indagheranno, dunque, il «radicalismo gentile» e l’«attivismo culturale», ovvero l’arte come pratica urbana e sociale in grado di promuovere la democrazia, la solidarietà, l’emancipazione e l’uguaglianza. Br> Due saranno le esposizioni in programma. Si inizierà con la collettiva «Graffiti», in agenda dalla prossima primavera (dal 29 marzo al 14 settembre 2025), che porterà per la prima volta all’interno di un museo italiano la street art, raccontando questa forma di espressione creativa attraverso una cinquantina di protagonisti internazionali.
Il percorso espositivo, a cura di Leonie Radine e Ned Vena, combinerà dipinti spray precedenti ai graffiti, degli anni Cinquanta e Sessanta, pezzi di famosi writers e una vasta gamma di opere di artiste e artisti contemporanei internazionali, che hanno incorporato i graffiti nel loro lavoro per varie ragioni e in molteplici forme.
Monica Bonvicini, Futura 2000, Keith Haring, Jenny Holzer e Lady Pink, Lee Quiñones, Carol Rama, Rammellzee, RLawrence Weiner, Dondi White, Martin Wong e LA II, Christopher Wool sono alcuni degli autori in mostra.

Nei due piani di Museion accanto a lavori ormai storicizzati saranno presentate anche opere site specific; l’apertura della mostra sarà anticipata dalla proiezione del film «News from Home» (1976) di Chantal Akerman, organizzata in collaborazione con il Filmclub Bozen Bolzano.

La seconda mostra in cartellone, in programma dall’autunno 2025 (dall’11 ottobre al 28 febbraio 2026) sarà «I Am The Last Woman Object», a cura di Leonie Radine: una retrospettiva sull'audace lavoro di Nicola L. (1932-2018), le cui sculture morbide, tele indossabili, performance pubbliche e opere cinematografiche sono intrise di attivismo femminista e antirazzista. Le sue sculture funzionali, come armadi e divani a forma di corpi o parti del corpo, sono solo gli esempi più noti della sua protesta non violenta nei luoghi di azione collettiva.
Oltre a questi progetti, la mostra rivela ulteriormente la diversità del lavoro di Nicola L., presentando dipinti indossabili – chiamati pénétrables – collage e disegni, happening urbani attivisti, fino ad ambienti e film sperimentali.

Accanto alle mostre internazionali, Museion Bolzano celebrerà e valorizzerà la propria crescente collezione attraverso il programma di Museion Academy, uno spazio virtuale e fisico dove approfondire temi e condividere saperi con un’attenzione precipua ai pensatori e alle pensatrici di domani, che si articolerà in una serie di progetti espositivi a «Museion Passage» e nel «Piccolo Museion – Cubo Garutti», nonchè nella rivista on-line «Museion Bulletin», nel format educativo Lifelong Learning e in partnership accademiche come la prima edizione del Master in Contemporary Museum Practices Foam (da marzo 2025 a febbraio 2026), un programma post-laurea in lingua inglese promosso con la Libera Università di Bolzano – Facoltà di design e arti.

Il programma di Museion Passage per il 2025 è incentrato sul ruolo dell'archivio, sia come qualcosa di già esistente e da valorizzare attraverso connessioni con altre realtà, che come qualcosa di emergente, prodotto di nuove iniziative di ricerca.
Il programma approfondisce le collaborazioni, i rapporti professionali e personali tra collezionisti e artisti, esemplificati dal caso del collezionista, editore e mecanate Francesco Conz (Cittadella, 1935 - Verona, 2010) nell'anno in cui ricorre il novantesimo anniversario dalla sua nascita.
L’esposizione, a cura di Frida Carazzato, presenterà (dall’11 aprile 2025 al 31 gennaio 2026) per la prima volta le edizioni di vari artisti e artiste legati alla poesia concreta e a Fluxus, alcune delle quali donate a Museion dallo stesso collezionista.

È, poi, in programma un progetto di ricerca speciale dedicato all'artista altoatesino Sven Sachsalber (1987-2020), nel quinto anniversario della morte, ponendo le basi per la conservazione e valorizzazione del suo lascito artistico.
A Museion Passage (dal 5 dicembre 2025 al 31 gennaio 2026), un'installazione grafica - curata da Claudia Polizzi, in collaborazione con Bau - traccerà una mappa delle opere dell’autore e della rete di contatti che hanno plasmato la sua pratica artistica.

Parallelamente a questa presentazione, verrà avviato un dibattito istituzionale per esplorare il ruolo dei musei nella conservazione, nello studio e nella valorizzazione degli archivi d'artista.
Il programma 2025 verrà ulteriormente arricchito da nuove acquisizioni e pubblicazioni, tra cui «Lucia Marcucci. Tutto qui?» , il primo studio completo sull’artista nota per il suo approccio visionario al linguaggio nell'arte, realizzato in collaborazione con Ar/Ge Kunst di Bolzano e grazie al sostegno del programma Italian Council (2024) promosso dalla Direzione generale Creatività contemporanea del Ministero della Cultura.

Museion amplia, inoltre, il suo impatto attraverso prestiti significativi, come nella collaborazione con la Biblioteca cantonale di Lugano, che ospiterà una mostra legata all'Archivio di Nuova Scrittura, realizzata in collaborazione con il Mart di Rovereto.

Infine il Museion Art Club Forum sarà uno spazio vibrante per le subculture e un palcoscenico per la musica sperimentale, la poesia, la scrittura creativa e le arti performative, con un’attenzione particolare nei confronti del pubblico più giovane. In particolare, il 13 settembre il museo trentino presenterà una speciale celebrazione in occasione del suo quarantesimo anniversario e dei venticinque anni di Transart Festival. L'evento, con porte aperte 24 ore su 24, sarà un omaggio all'iconica inaugurazione della nuova sede di Museion del 2008, creando un legame simbolico tra passato e presente. Arte e comunità locale si incontreranno nelle sale dello spazio espositivo per raccontare l’importanza dell’attivismo culturale, soprattutto in questi nostri tempi caratterizzati da onnipresenti conflitti internazionali. L’arte diventerà così, ancora una volta, uno strumento di impegno sociale.

Didascalie delle immagini 

1. Robert Lax, Red –  yellow – blue, 1990. Museion Collection. Photo: Augustin Ochsenreiter; 2. Dan Christensen 1942 - 2007, O, 1968. © Estate of Dan Christensen. Courtesy Berry Campbell, New York; 3 Rammellzee, Future Futurism, 1984. Groninger Museum, loan from private collection. Photo: Marten de Leeuw. Courtesy The Estate of Rammellzee; 4. Nicola L., Little TV Woman: ‘I Am the Last Woman Object', 1969. Courtesy XXO Collection © Nicola L. Collection and Archive. Photo: Kyle Knodell; 5. Nicola L., Frida Kahlo, 2006. Courtesy: Nicola L. Collection and Archive and Alison Jacques © Nicola L. Collection and Archive. Photo: Michael Brzezinski; 6. Sven Sachsalber, Hands, 2015-2016. Photo: Lineematiche - L. Guadagnini / T. Sorvillo

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«La Carraccina», il Guercino e la Pinacoteca di Cento: l'arte emiliana incontra l’high tech

Era il 20 maggio 2012 quando, nel cuore della notte, alle 04:03, un terremoto di magnitudo 5.9 colpiva un'ampia zona dell'Italia settentrionale, sconvolgendo centri produttivi della Bassa Emiliana come Mirandola, Medolla, Sant'Agostino e San Felice al Panaro. Meno di una decina di giorni dopo, il 29 maggio, alle 9 del mattino e poi alle 12:55, lo stesso territorio veniva interessato da due nuove scosse telluriche superiori ai 5 di magnitudine, meno intense della prima ma più distruttive. Il cosiddetto «cratere» comprendeva 59 Comuni nelle province di Modena, Ferrara, Bologna e Reggio Emilia. Il bilancio finale fu di 28 morti, 300 feriti, 45mila persone sfollate, 66mila imprese coinvolte e una stima dei danni per 12,2 miliardi di euro.

Particolarmente colpito fu anche il patrimonio storico-artistico del territorio: luoghi di culto, palazzi, teatri, torri, castelli, rocche, ma anche opere pittoriche e scultoree. Tra i beni lesionati strutturalmente, e rimasti per lungo tempo chiusi al pubblico, ci fu anche la Pinacoteca civica «Il Guercino» di Cento, cittadina di 35mila abitanti nel Ferrarese. Il museo, il cui nuovo allestimento è stato curato da Lorenzo Lorenzini ed Elena Bastelli, ha riaperto i battenti il 25 novembre 2023, a undici anni dal sisma e dopo due anni di restauri - realizzati dallo studio bolognese OpenProject, in collaborazione con l’Amministrazione centese e sotto la supervisione dell’architetto Beatrice Contri -, grazie al finanziamento di quasi 3milioni di euro del Commissario delegato per la Ricostruzione, più un contributo ministeriale di 988.900 euro, ottenuto tramite il Fondo Cultura 2021 e usato per l’allestimento museale con le pareti della stessa tonalità blu dei cieli guercineschi.

Nonostante le sue dimensioni contenute, la pinacoteca è uno scrigno di gioielli. Nelle sue quindici sale, distribuite su due livelli, allinea, infatti, più di centonovanta opere, tra pitture, sculture, disegni, affreschi staccati, che portano la firma di artisti come, per esempio, Scarsellino, Guido Reni, Ludovico Carracci e Matteo Loves, in un percorso che spazia dal Quattrocento all’Ottocento.

Ma la particolarità e la preziosità di questo luogo identitario per la cultura della cittadina emiliana, costruito nel 1839 all’interno del Palazzo del Monte di Pietà, consiste soprattutto nel fatto di essere il museo con la maggior concentrazione al mondo di opere di Giovanni Francesco Barbieri (Cento, 1591-Bologna, 1666), detto il Guercino, maestro della pittura barocca, conteso da papi e regnanti, che fu anche un imprenditore ante litteram, a capo di un’organizzatissima bottega fino alla morte, avvenuta nel 1666. Si tratta di sedici pale d’altare e quadri, venti affreschi staccati e undici disegni, molti dei quali erano stati portati al sicuro dai crolli nel Centro di raccolta realizzato al Palazzo Ducale di Sassuolo. Tra questi lavori si annoverano capolavori come «La cattedra di San Pietro», «Cristo risorto appare alla Madre», «La Madonna con Bambino benedicente».

In occasione della riapertura della Pinacoteca centese, sono, poi, arrivate in città, con un prestito a lungo termine, anche opere del maestro e dei suoi seguaci provenienti da collezioni private e bancarie: dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Cento sono giunte nove opere, tra cui il primo affresco realizzato dal giovane Guercino, che raffigura la «Madonna di Reggio», ovvero la «Madonna della Ghiara»; da Credem Banca sei opere, tra cui il «Matrimonio mistico di Santa Caterina», capolavoro giovanile del pittore centese.

Un anno dopo la riapertura il bilancio è più che positivo: sono stati staccati quasi 20mila biglietti e il Centro studi internazionale «Il Guercino», ubicato all’interno del museo, è stato vicino, negli ultimi mesi, a importanti istituzioni come la Pinacoteca nazionale di Bologna, i Musei reali di Torino e le Scuderie del Quirinale nell’organizzazione di mostre ed eventi di vario genere sull’artista emiliano, la cui riscoperta si deve, negli anni Trenta del Novecento, a Sir John Denis Mahon (Londra, 1910-2011).

Mentre la quadreria di Cento si prepara ad accogliere la mostra «Sentimento e ragione nella grande pittura di Ubaldo Gandolfi», ideata e curata dalla studiosa Donatella Biagi Maino, che dal 30 novembre proporrà un focus su due opere del pittore bolognese (una «Annunciazione» e una pala d’altare dedicata a San Gaetano da Thiene), il percorso espositivo è stato integrato con una replica fedele di un’opera importante della collezione centesca: «La Madonna col Bambino fra i Santi Giuseppe, Francesco e i committenti», nota come «La Carracina», in prestito temporaneo alle Scuderie del Quirinale, nell’ambito della rassegna «Il trionfo del colore. Guercino nella Roma dei Ludovisi».

Per colmare questa assenza è stata contattata Haltadefinizione, tech company del Gruppo Panini Cultura, che ha curato tutte le fasi della riproduzione della copia, dalla digitalizzazione alla fedele riproduzione fisica, fino alla collocazione.

L’iniziativa, promossa con il sostegno della Regione Emilia-Romagna, si inserisce nell’ambito di un ampio programma di valorizzazione del patrimonio culturale locale e garantisce continuità alla fruizione della pinacoteca. La copia può essere toccata e vista da vicino. «Si apre così - racconta Silvia Bidoli, assessore alla Cultura del Comune di Cento - un panorama di possibilità di interazione non solo dal punto di vista fisico ma anche didattico, che sapremo sfruttare anche in futuro quando tornerà l’originale». L’immagine in altissima risoluzione è, inoltre, disponibile on-line sul sito di Haltadefinizione, accessibile a tutti gli studiosi e appassionati.

«La Carracina», tela del 1591, ornava l’altare della prima cappella destra, quella di proprietà della famiglia Piombini, nella chiesa annessa al convento dei Cappuccini di Cento, ubicato fuori porta Molina, da tempo demolito. Nel luglio del 1796 la pala d’altare fu trasferita in Francia, scelta dai commissari napoleonici fra le opere degne di rientrare nell’utopistico progetto del Musée Napoléon a Parigi. Esposta dal febbraio del 1798 al Louvre, alla caduta di Napoleone fu restituita all’Italia e nel 1816 tornò a Cento.

All'interno di una struttura che si rifà ai modelli leonardeschi della composizione piramidale, si riconoscono al vertice la Madonna e il Bambino, collegati, attraverso un gioco di sguardi e di gesti, con il San Francesco e il San Giuseppe raffigurati alla base della tela. Sempre in basso, nell’angolo a destra, si trovano i ritratti di Pietro Antonio Piombini e di sua moglie Elisabetta Dondini, due personaggi ai quali il committente, indicato in Giuseppe Piombini, era legato da non precisati vincoli di parentela.

Si tratta di una prova di grande qualità della poetica di Ludovico Carracci, che dà vita a una visione familiare, quotidiana e sensibilmente naturalistica, nel quale la luce è grande strumento d'animazione e, insieme, il sintomo dell'esaltazione emotiva.

Da sempre l'opera è ritenuta di fondamentale importanza per il giovane Guercino il quale, stando alla testimonianza diretta del suo biografo Carlo Cesare Malvasia, proprio giocando col cognome del pittore aveva ribattezzato la tela la «mia cara cinna», un’espressione che in dialetto centese veniva pronunciata come «cara zinna», a indicare così la mammella da cui l’artista aveva tratto il primo nutrimento in pittura, imitandone la luce «a macchia» e il sincero naturalismo.

Didascalia delle immagini 
Ludovico Carracci, «La Madonna col Bambino fra i Santi Giuseppe, Francesco ed i committenti», nota come «La Carracina», tela/ pittura a olio, cm 166 (la) 225 (a), sec. XVI (1591 - 1591), n. inventario 0107. Cento, Civica Pinacoteca «Il Guercino» 

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https://www.civicapinacotecailguercino.it/