Leonardo//thek@ e la ricomposizione digitale dell’universo manoscritto di Leonardo da Vinci

C'è un foglio nel Codice Atlantico, il 399r, su cui Leonardo da Vinci annotò alcune riflessioni sull'antico monumento equestre del «Regisole» di Pavia. Per secoli, accanto a quelle parole, mancava qualcosa: il disegno di un cavallo che lo accompagnava, strappato e conservato a Windsor, con il numero di catalogo 912345r. Con ogni probabilità, quella pagina mutilata segnava esattamente il momento in cui il genio toscano aveva concepito il bozzetto del monumento equestre dedicato a Francesco Sforza, uno dei progetti più ambiziosi, e mai compiuti, della sua vita. Dopo oltre quattrocento anni, il cavallo è tornato, almeno virtualmente, al suo posto, grazie al progetto Leonardo//thek@ 2.0, una piattaforma on-line ideata dal Museo Galileo di Firenze e sviluppata, nell’arco di una decina di anni, in partnership con il Royal Collection Trust, la Veneranda biblioteca ambrosiana e la Biblioteca leonardiana di Vinci.
Questo grande archivio digitale - presentato di recente all’Ambasciata di Italia a Londra, in stretta collaborazione con il Ministero della Cultura – riunisce, all’indirizzo teche.museogalileo.it/leonardo, più di 3mila e cinquecento manoscritti leonardeschi, con riflessioni, studi scientifici e disegni, provenienti dal prestigioso Codice Atlantico, le cui 1.119 pagine sono conservate a Milano, e dalla Royal Library delle collezioni reali britanniche, custodita nel Castello di Windsor, all’interno della quale sono ospitati circa seicento fogli con studi sulla figura umana, i paesaggi, le mappe, l’acqua, la botanica, gli animali e l’anatomia.

Per comprendere la portata di questa iniziativa, un vero e proprio atto di giustizia storica nei confronti di una delle eredità intellettuali più straordinarie del Rinascimento, è necessario ritornare alla fine del XVI secolo, quando lo scultore aretino Pompeo Leoni entra in possesso dell'archivio di Francesco Melzi, ultimo allievo di Leonardo, che per decenni aveva fedelmente custodito l'immensa mole di appunti, disegni e taccuini vergati dal suo maestro, morto ad Amboise nel 1519, a partire dagli anni Settanta del Quattrocento.
Alla scomparsa del discepolo, avvenuta nel 1570, gli eredi, non comprendendo il valore di quanto avevano tra le mani, mettono tutti i disegni e i manoscritti del genio vinciano nel solaio della loro villa a Vaprio D’Adda per, poi, donarli e venderli. Attraverso una serie di cessioni, gran parte del patrimonio leonardesco giunge, sul finire del Cinquecento, alla corte di Madrid, dove opera Pompeo Leoni, che, con un'operazione definita dagli studiosi «sciagurata», smembra taccuini e fogli sciolti, ritaglia le pagine, ridistribuisce il materiale in due grandi album, separando sistematicamente gli studi tecnico-scientifici da quelli artistici e figurativi.

All’inizio del XVII secolo, Polidoro Calchi, genero dello scultore aretino, eredita questi due tomi e vende l’album più corposo, quello con le illustrazioni e gli scritti di carattere meccanico, ingegneristico, matematico e scientifico - in seguito denominato Codice Atlantico - al conte Galeazzo Arconati, che lo dona alla Veneranda Biblioteca Ambrosiana nel 1637. Mentre l’altro album, quello con i lavori figurativi, attraversa la Manica negli anni Venti del Seicento ed entra a far parte della Royal Collection intorno al 1670, probabilmente come dono destinato a re Carlo II. Questa frattura storica viene, oggi, risanata dalla piattaforma Leonardo//thek@ 2.0, concepita dal professor Paolo Galluzzi, presidente emerito ed ex direttore del Museo Galileo, che nel 2017 dà avvio alla digitalizzazione del Codice Atlantico, terminata nella primavera del 2023 (quando viene rilasciata la versione 1.0 del progetto), e subito seguita dalla pubblicazione, sempre attraverso immagini ad alta definizione, dei fogli appartenenti alla Royal Collection di Windsor, la cui acquisizione è terminata nella primavera del 2026.
Al progetto ha collaborato anche la Biblioteca leonardiana di Vinci, custode della Bibliografia internazionale leonardiana e del portale e.Leo, che offre accesso ai codici con trascrizioni e traduzioni, una delle fonti principali della piattaforma, grazie alla quale si ricostruiscono secoli di studi, in un percorso che parte dalle «Historie fiorentine di Niccolo Machiauelli cittadino, et segretario fiorentino» del 1532 e da «Le vite de più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani da Cimabue insino a tempi nostri descritte in lingua toscana da Giorgio Vasari» del 1550, per giungere ai giorni nostri. Di alcuni volumi si trovano i riferimenti per la ricerca nell’Opac Sbn nazionale; di altri, come «Leonardo da Vinci ed i problemi della Terra» (1903) di Mario Baratta o «Voci e termini del dialetto milanese nel Codice Atlantico» (1905) di Luca Beltrami, è possibile sfogliare la versione digitale.

Questo ecosistema on-line permette agli utenti, tanto agli specialisti quanto al pubblico non accademico, di consultare le due collezioni sia in modo indipendente sia attraverso una ricerca trasversale e unificata, fondata su indici tematici accurati, bibliografie aggiornate e trascrizioni critiche, che consentono di individuare rapidamente i gruppi di fogli in cui ricorre un determinato oggetto o concetto, i manoscritti citati nei testi scientifici o quelli con caratteristiche specifiche simili, come i dati fisici e le tecniche utilizzate. È anche possibile affiancare due o più fogli su una lavagna virtuale, con funzionalità di regolazione della luminosità, della trasparenza, dell'ingrandimento e della rotazione per fare studi comparati.
La piattaforma consente non solo la consultazione in alta definizione dei manoscritti, ma anche la loro ricomposizione virtuale. Circa cinquanta fogli sono stati ricostruiti attraverso l'impiego di metodologie d'indagine non invasive e l'analisi rigorosa delle proprietà materiali della carta, delle filigrane (digitalizzate ad altissima risoluzione da Haltadefinizione, tech company di Gruppo Panini Cultura), e delle tecniche di scrittura. Nella sezione «Fogli ricomposti», piccoli frammenti e ritagli conservati a Windsor sono stati così virtualmente ricollocati all'interno delle precise lacune fisiche dei fogli del Codice Atlantico, restituendo al documento la sua articolazione originaria.

Oltre al già citato studio per il colossale monumento destinato a Francesco Sforza, questa sezione del sito permette di vedere il foglio 878v del Codice Atlantico, incentrato su complessi studi di ingranaggi per un orologio planetario, ricomposto con ben tre frammenti di Windsor (RCIN 912464r, 912438r, 912460r). Il lavoro svela un microcosmo inaspettato: ai margini dei calcoli matematici riemergono schizzi fisiognomici di un giovane e di due uomini anziani, un profilo femminile, una nota di debito iperbolica da 1.404 fiorini – ironico riferimento allo zio Francesco – e persino una prova di una firma autografa tracciata con la mano destra: «E Lionardo».

Particolarmente rilevante è, poi, la possibilità di verificare come Pompeo Leoni avesse occasionalmente tentato di «riparare» i danni da lui stesso arrecati. Il foglio 86r del Codice Atlantico, raffigurante una macchina per fabbricare aghi, ne è un esempio eloquente: l’artista aveva asportato un frammento – oggi a Windsor con il numero RCIN 970124v – poiché il verso presentava uno stemma sforzesco, con due draghi intrecciati, che egli riteneva di maggior pregio. Resosi conto che quel lacerto era essenziale per comprendere la struttura e il funzionamento del macchinario, aveva ridisegnato di propria mano la parte mancante, lasciando una traccia della sua stessa azione distruttiva. La ricomposizione digitale consente, ora, di leggere entrambe le versioni, quella mutilata e quella autentica, nella loro relazione reciproca.

Leonardo//thek@ 2.0 permette, quindi, di cogliere con maggiore chiarezza l’unità profonda del pensiero di Leonardo. Nei fogli ricomposti, gli studi di meccanica convivono con gli schizzi di figure umane, le annotazioni quotidiane e le riflessioni teoriche. Questa compresenza evidenzia come, per il maestro vinciano, arte e scienza non fossero ambiti separati, ma parti di un’unica indagine sul mondo.
Dal punto di vista metodologico, il progetto, che ha visto al lavoro illustri studiosi, documentaristi esperti informatici del Museo Galileo, rappresenta un modello avanzato di digital humanities, dimostrando come l’impiego delle tecnologie dell’informazione possa ampliare significativamente le possibilità di indagine sui documenti storici, senza sostituire ma anzi valorizzando il lavoro filologico e critico degli studiosi. In questo senso, Leonardo//thek@ 2.0 non è soltanto un archivio digitale, ma un vero e proprio laboratorio di conoscenza, che moltiplica le possibilità degli studiosi, rendendo confrontabili in tempo reale materiali dispersi in due Paesi.

L'analisi delle filigrane, la comparazione delle tecniche di scrittura e delle proprietà fisiche della carta, la ricostruzione stratigrafica dei fogli: tutte operazioni che, in passato, richiedevano anni di lavoro su originali fisici, sono oggi accessibili a chiunque disponga di una connessione internet, permettendo di procedere a una prima fase di studio comodamente da casa o dall’ufficio.
L'operazione Leonardo//thek@ 2.0 non si esaurisce, però, nella pur fondamentale dimensione filologica. Come evidenziato dal direttore esecutivo del Museo Galileo, Roberto Ferrari, il progetto rivendica un preciso valore politico-culturale. In un'epoca contrassegnata dalla proliferazione di biblioteche digitali commerciali e generiche, che prediligono la quantità enciclopedica a scapito dell'accuratezza, il nuovo progetto digitale su Leonardo da Vinci dimostra come le istituzioni pubbliche e di ricerca debbano mantenere il controllo intellettuale e tecnologico del proprio patrimonio.

In questo senso, la cooperazione transnazionale che ha unito Firenze, Milano e Windsor – sostenuta dal Ministero della Cultura, dal Ministero dell'Università e della Ricerca e dal Comitato nazionale per le celebrazioni vinciane dei 500 anni dalla morte di Leonardo e dalla Commissione per l’Edizione nazionale dei manoscritti e dei disegni leonardeschi – si offre come un modello virtuoso, capace di sottrarre la memoria storica alle logiche della mercificazione culturale, restituendola alla collettività in forma aperta, interconnessa e duratura.
In un’epoca di rapidissima evoluzione dell’intelligenza artificiale, questo progetto ci ricorda, dunque, che il vero valore degli studi umanistici digitali risiede nella qualità dei contenuti e nella profondità scientifica dell'offerta.
Ricomporre i frammenti di Leonardo significa, in fondo, ricomporre l'essenza stessa dell'Umanesimo occidentale, laddove il rigore dell'ingegnere non escludeva mai la sensibilità del pittore. Guardando oggi quelle pagine riaccostate sullo schermo di un computer, i tratti di inchiostro spezzati quattro secoli fa tornano a fluire ininterrotti.

Le linee troncate da Pompeo Leoni si ricongiungono, e il pensiero del genio vinciano, finalmente liberato da vincoli spazio-temporali, ritorna a fa sentire la propria voce, quella di chi ha anticipato la modernità perché sapeva che il vero progresso risiede nella curiosità e nello stupore, nella capacità di guardare il mondo non solo per come ci appare ma anche per come, attraverso l’audacia della mente, potrebbe diventare.

Didascalie delle immagini

1. Testa di Leda c. 1505-1508 RCIN 912516r © Royal Collection Enterprises Ltd 2026 │ Royal Collection Trust Studi per il dipinto Leda e il Cigno, oggi perduto; 2. Gatti, leoni e un drago c. 1517-1518 RCIN 912363r © Royal Collection Enterprises Ltd 2026 │ Royal Collection Trust; 3. Studi di cavalli c. 1490 RCIN 912321r © Royal Collection Enterprises Ltd 2026 │ Royal Collection Trust; 4. Feto nell’utero, disegni e appunti sulla riproduzione c. 1511 RCIN 919102r © Royal Collection Enterprises Ltd 2026 │ Royal Collection Trust; 5. Mappa della Toscana meridionale c. 1503-1506 RCIN 912278r © Royal Collection Enterprises Ltd 2026 │ Royal Collection Trust§; 6. Macchina per scavare canali c. 1503 Codice Atlantico, f. 4r © Veneranda Biblioteca Ambrosiana; 7. Studi per una macchina volante c. 1490-1495 Codice Atlantico, f. 846v © Veneranda Biblioteca Ambrosiana; 8. Codice Atlantico, f. 86r © Veneranda Biblioteca Ambrosiana; 10. Codice Atlantico, f. 399r + RCIN 912345r © Veneranda Biblioteca Ambrosiana © Royal Collection Enterprises Ltd 2026 │ Royal Collection Trust; 11. Macchine per il sollevamento dell’acqua c. 1480-1482 Codice Atlantico, f. 26v © Veneranda Biblioteca Ambrosiana

Informazioni utili

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Il Rinascimento ritrovato: restauri e «ritorni a casa» alla Galleria Nazionale delle Marche

Nel cuore di Urbino, tra le geometrie perfette e i silenzi antichi di Palazzo Ducale, la storia ha ripreso a scorrere con rinnovato vigore. L'antica dimora di Federico da Montefeltro, capolavoro assoluto del Rinascimento italiano, ha subito, negli ultimi anni, un importante processo di rinnovamento che non ha interessato soltanto l’architettura, ma anche il senso stesso del museo come luogo di conoscenza e di esperienza. La conclusione dell'ultimo cantiere finanziato dai fondi del Piano nazionale di ripresa e resilienza (Pnrr) segna, infatti, una tappa cruciale nella storia recente della Galleria nazionale delle Marche, restituendo al pubblico un complesso monumentale rinnovato nella sua funzionalità, leggibilità e capacità narrativa.

Quattro anni di cantieri, un palazzo mai chiuso
L'intervento di riqualificazione, protrattisi per quattro anni, ha interessato circa cinquemila metri quadrati del complesso, introducendo adeguamenti strutturali all'avanguardia: dalla messa a norma degli impianti elettrici e antincendio, fino all'implementazione di un sofisticato sistema di monitoraggio microclimatico e di una nuova illuminazione.

Il percorso si è sviluppato per lotti successivi, ciascuno restituito al pubblico senza mai chiudere integralmente il palazzo. Il 18 aprile 2024 ha riaperto l'Appartamento della Jole, che ospita la «Flagellazione» di Piero della Francesca; il 31 ottobre dello stesso anno è toccato all'Appartamento degli ospiti, dove si trova la «Madonna di Senigallia», sempre di Piero della Francesca. Il 30 maggio 2025 si è concluso il terzo lotto, dedicato all'Appartamento del Duca, con il celebre Studiolo e il riallestimento de «La Città Ideale»; mentre il 18 dicembre 2025 ha riaperto l'Appartamento della Duchessa, con le opere di Giovanni Santi e di
Raffaello e il focus sugli stucchi di Federico Brandani. Il restauro del Salone del Trono e delle Sale meridionali (dette «dei Melaranci»), affacciate sul cortile del Pasquino, completa così la rifunzionalizzazione dell'intero piano nobile.

Il progetto di riqualificazione non ha interessato solo l’architettura di Palazzo Ducale, ma anche il suo contenuto: le collezioni permanenti. A tal proposito Luigi Gallo, direttore della Galleria nazionale delle Marche, ha dichiarato: «i fondi straordinari del Pnrr hanno permesso una totale revisione museografica, resasi ormai necessaria dopo oltre quarant'anni dal riordino del soprintendente Paolo Dal Poggetto e per l’incremento delle collezioni». In questi anni, è stata condotta anche «una sistematica campagna di interventi conservativi sulle opere», con trattamenti di anossia estensiva su pale, porte istoriate, soffitti e sullo Studiolo, finalizzati alla disinfestazione e alla stabilizzazione dei materiali.

Il Salone del Trono: l'architettura di Laurana e gli arazzi di Raffaello
L'ultimo cantiere chiuso ha restituito l'antico splendore ad ambienti di straordinario fascino, a cominciare dal Salone del Trono, chiamato anche Sala delle Feste: trentacinque metri di lunghezza, quindici di larghezza, diciassette d'altezza al culmine della volta che ne fanno l'ambiente più imponente del palazzo e una delle più alte espressioni dell'architettura di Luciano Laurana, l'ingegnere dalmata chiamato da Federico da Montefeltro a dirigere i lavori a partire dal 1464. Nella volta, punteggiata di rosoni con le iniziali «FC» («Federico conte»), e nei camini e nei peducci, dove si celebra il titolo ducale («FE DVX»), resta inciso il segno della sua perizia ingegneristica. Verso il 1474 l'architetto senese Francesco di Giorgio e lo scultore milanese Ambrogio Barocci aggiornarono le decorazioni scultoree della sala con motivi classici che anticipavano il pieno Rinascimento.

Il restauro ha restituito alla sala una luminosità più diffusa attraverso due interventi puntuali. Si è innanzitutto provveduto alla riapertura delle cinque finestre sul lato del Cortile d'onore, ancora apprezzabili nella loro profondità negli anni di direzione di Luigi Serra e tamponate durante i lavori di riqualificazione firmati da Guglielmo Pacchioni nel 1938, così da ripristinare la doppia esposizione della sala insieme ai tre grandi finestroni sulla facciata ad Ali. È, quindi, stato studiato un nuovo sistema illuminotecnico, pensato anche per valorizzare gli arazzi che la sala custodisce: il ciclo degli «Atti degli Apostoli», tessuto su cartoni di Raffaello Sanzio commissionati da papa Leone X de' Medici nel 1515-16 per la Cappella Sistina.
Curiosamente, durante i lavori sono emerse tracce di alloggiamenti per strutture effimere, forse legate alle feste del tempo di Federico da Montefeltro o alla messa in scena della commedia «Calandria» del cardinale Bernardo Dovizi da Bibbiena, allestita nel salone nel 1513, quando il salone fu trasformato in un vero e proprio teatro antico, celebratissimo nelle fonti dell’epoca.

Nel salone, in cui al tempo dei Duchi d’Urbino, e in occasione di grandi eventi, si esponevano undici arazzi monumentali - oggi perduti - che raffiguravano «Storie della caduta della città di Troia», dopo le normali operazioni di manutenzione conservativa, oggi tornano i sette arazzi raffaelleschi (opere non dipinte dal maestro, ma tessute su suoi cartoni), dalla storia collezionistica avventurosa. Appartenuti al cardinale Giulio Mazzarino, che ne acquistò tre dal governo repubblicano di Oliver Cromwell tra il 1651 e il 1653 e ne commissionò altri quattro all'arazziere Jean Lefebvre, che aveva il suo laboratorio al Louvre, questi lavori passarono per eredità ai familiari fino a quando vennero acquistati nel 1750 dal conte Gian Luca Pallavicini, governatore della Lombardia per conto dell’Austria, per arredare la propria residenza di Milano, il Regio Ducal Palazzo (poi Palazzo Reale). Nel 1753 il nobile vendette per 80mila fiorini tutti gli arazzi alla corte viennese per la sede diplomatica milanese. Le opere rimasero in questa cornice espositiva fino al 1922, quando furono trasferite a Urbino, perché la città natale di Raffaello, allora priva di lavori del suo più celebre figlio, potesse finalmente esporre uno dei cicli più conosciuti e replicati della storia dell'arte europea.

Le Sale dei Melaranci, tra primitivi e pavimenti albertiani

Di eguale importanza è il restauro delle Sale meridionali, storicamente dette «dei Melaranci» per l'abitudine dei duchi della Rovere di esporvi piante di arance dolci nel Cinquecento. Le tre stanze, affacciate sul cortile del Pasquino, hanno avuto funzioni diverse nel corso dei secoli: tribunale e appartamento del legato apostolico durante la Legazione (1631-1860), poi cucina e camere del Sottoprefetto dopo l'Unità d'Italia, prima di entrare a far parte del museo nel 1916, sotto la direzione di Luigi Serra. Si ipotizza che in origine, dopo il matrimonio di Federico da Montefeltro con Battista Sforza nel 1460, l'appartamento fosse destinato alla giovane duchessa e alla sua corte. Dai documenti d’archivio si ricava che alla fine del Quattrocento abitavano qui importanti cortigiani tra cui l’astrologo Paolo da Middelburg, che aveva la sua camera proprio accanto all’appartamento di Ottaviano Ubaldini.

Il restauro delle superfici pavimentali ha riportato alla luce un dettaglio finora poco valorizzato: quattro diverse varianti geometriche di pavimentazione a quadrelli ed esagonette, un caso unico nel palazzo e, più in generale, nell'Italia di metà Quattrocento. Gli studiosi vi leggono un possibile suggerimento di Leon Battista Alberti, amico e consigliere di Federico da Montefeltro, che nel decimo libro del «De re aedificatoria» raccomandava di occupare l'intero pavimento delle case signorili con motivi geometrici, capaci di «esercitare di continuo la mente all'osservazione e alla meditazione».
Il nuovo allestimento, che riconferma in parte l'impostazione voluta dal soprintendente Paolo Dal Poggetto, dedica questi ambienti alla pittura dei cosiddetti «primitivi»: opere di Pietro e Francesco da Rimini, di Giovanni Baronzio, del Maestro dell'«Incoronazione» di Urbino, di Allegretto Nuzi e di Puccio di Simone, testimoni della permeabilità delle Marche alle novità pittoriche dell'Italia centrale di metà Trecento, debitrici della lezione di Giotto. Una sala è interamente dedicata ai crocifissi lignei monumentali, elemento liturgico cardine delle chiese medievali, destinati a essere visti dall'intera navata; un'altra agli stendardi processionali, tipologia in cui Urbino vanta un patrimonio raro per ricchezza, con opere firmate da Giovanni Santi, Luca Signorelli e Tiziano.

Questo complesso di interventi si inserisce in una visione più ampia del museo contemporaneo, inteso non solo come custode del patrimonio, ma come spazio dinamico di ricerca, educazione e partecipazione. In tale prospettiva, la Galleria nazionale delle Marche si propone, oggi, come un modello di integrazione tra tutela e innovazione, capace di dialogare con le esigenze del presente senza tradire la memoria del passato.

Un'estate di aperture straordinarie e di grandi ritorni
A corollario della ritrovata magnificenza del piano nobile, Palazzo Ducale ha inaugurato un ricco calendario di iniziative estive, a partire dall'apertura eccezionale del lunedì pomeriggio, dalle 15 alle 19 (ultimo ingresso alle 18), in vigore fino al 14 settembre. Mentre fino all'11 ottobre sarà possibile visitare il Giardino pensile, con il suo impianto botanico ispirato ai giardini di corte rinascimentali. Contestualmente, al piano terra del palazzo, si terrà la proiezione del docufilm «Le opere, i giorni. Un diario dal Palazzo Ducale di Urbino» di Mauro Santini, che offre uno sguardo intimo sui lavori appena conclusi.

Ma l'evento più atteso dell'estate è fissato per il 9 luglio, quando faranno ritorno a casa tre capolavori inestimabili del museo: il «Ritratto di gentildonna», noto come «La Muta», e la piccola «Santa Caterina d'Alessandria» di Raffaello, insieme alla «Santa Martire» di Giovanni Santi.

Le tre opere, custodite nel Salotto della Duchessa, sono partite in primavera alla volta del Metropolitan Museum of Art di New York, dove fino al 28 giugno sono tra i protagonisti di «Raphael: Sublime Poetry», la prima grande retrospettiva dedicata a Raffaello mai realizzata negli Stati Uniti.
Curata da Carmen Bambach, la mostra newyorkese riunisce oltre duecento opere, tra cui più di centosettanta disegni, provenienti da collezioni pubbliche e private di tutto il mondo, per ripercorrere l'intera parabola dell'artista: dagli esordi a Urbino agli anni fiorentini, quando Raffaello si misura con Leonardo e Michelangelo, fino all'ultimo decennio alla corte papale di Roma. Tra le opere più significative esposte figurano la «Madonna Alba» della National Gallery of Art di Washington e il «Ritratto di Baldassarre Castiglione» del Louvre. In questo contesto internazionale, il prestito della Galleria nazionale delle Marche — insieme a quelli della Galleria Borghese, di Palazzo Barberini e di altri musei italiani — ha permesso al pubblico americano di accostare, per la prima volta in una mostra di questa portata, capolavori di Raffaello.

Dipinta intorno al 1507-1508, «La Muta» ritrae una nobildonna non identificata su uno sfondo quasi nero, in un linguaggio pittorico che lascia trasparire l'assimilazione, da parte del giovane Raffaello, della lezione di Leonardo. È insieme alla piccola «Santa Caterina d'Alessandria», anta superstite di un trittico per la devozione privata, una delle due sole opere autografe dell’artista conservate in pianta stabile nella città che gli diede i natali: un nucleo piccolo per numero ma di rilievo assoluto, che il riallestimento dell'Appartamento della Duchessa ha posto in dialogo con le opere di Timoteo Viti e Girolamo Genga, artisti che con il maestro urbinate condivisero la formazione.
Quando, il 9 luglio, la «Muta» rientrerà nel Salotto della Duchessa, ritroverà, dunque, un palazzo diverso da quello che aveva lasciato: più luminoso, più leggibile, in parte ancora memore dei costumi e delle stanze che più di cinque secoli fa videro la presenza anche del suo autore, Raffaello. Lo sguardo enigmatico della gentildonna senza nome tornerà a posarsi su una corte che il restauro ha cercato di restituire il più possibile alla sua dimensione originaria e il visitatore che la incontrerà, in questa lunga estate di aperture straordinarie, si ritroverà non solo a tu per tu con due occhi fieri che ancora oggi non hanno un nome, ma anche con un’architettura che rappresenta appieno la bellezza e la magniloquenza del Rinascimento, tanto che lo scrittore e diplomatico Baldassare Castiglione la definì, nel suo trattato «Il cortigiano», «una città in forma di palazzo».

Didascalie di immagini

1. Palazzo Ducale di Urbino, esterno; 2, 3, 4. Sala del Trono. Palazzo Ducale di Urbino; 5.,6., 7., 8.  Sale meridionali, storicamente dette «dei Melaranci».  Palazzo Ducale di Urbino; 9.  Raffaello Sanzio, Ritratto di gentildonna - La muta, 1505-1509. Olio su tela, cm 64x48. Urbino, Galleria nazionale delle Marche

Informazioni utili

Galleria Nazionale delle Marche - Palazzo Ducale di Urbino, Piazza Rinascimento 13, 61029 Urbino (PU).Orari: da martedì a domenica: dalle ore 8:30 alle ore 19:15 (chiusura biglietteria ore 18:15); fino al 14 settembre 2026  il museo sarà aperto in via straordinaria anche il lunedì pomeriggio (usuale giorno di chiusura) dalle ore 15 alle ore 19 (ultimo ingresso alle ore 18). Ingresso: € 12 intero; € 2 ridotto. Biglietto integrato

Galleria nazionale Delle Marche + Rocca Demaniale Di Gradara. (Validità 5 giorni dalla data di emissione): intero € 16,00, ridotto € 4,00. Informazioni: https://www.gallerianazionalemarche.it. 

Dalle «Orestiadi» alle mostre al Mac e al Belìce/EpiCentro: il calendario estivo di Gibellina capitale italiana dell’arte contemporanea

Visto dall'alto, il «Grande Cretto» di Alberto Burri sembra una distesa di neve che non si scioglie mai: circa 86mila metri quadrati di cemento bianco, incisi da una rete di solchi che ripetono, blocco dopo blocco, il disegno delle strade e dei vicoli di un paese che non esiste più. Chi vi cammina dentro, soprattutto nelle ore in cui la luce si fa radente, attraversa di fatto le vie di Gibellina vecchia, distrutta dal terremoto del Belìce nella notte del 15 gennaio 1968.
Alberto Burri non ha voluto cancellare quella ferita: l'ha fissata nel paesaggio, l'ha resa percorribile, l'ha trasformata in una delle opere di Land Art più estese d'Europa. Ha cioè creato una vera e propria «memoria abitabile», un «sudario materico» che fissa permanentemente il trauma del lutto collettivo, sottraendolo all'oblio del tempo e offrendolo, al contempo, come soglia di transito verso la rigenerazione.

«Portami il futuro», un programma corale per Gibellina

È in questo luogo, sospeso fra assenza e memoria, che si radica simbolicamente il programma di Gibellina Capitale italiana dell'arte contemporanea 2026: un calendario diffuso di mostre, festival, residenze, spettacoli teatrali, progetti educativi, giornate di studi, simposi e progetti di arte pubblica che per tutto l’anno animerà la cittadina del Trapanese e il suo straordinario patrimonio artistico e architettonico, un vero e proprio museo en plein air, frutto di un'idea dell'allora sindaco-intellettuale Ludovico Corrao che, negli anni Settanta, invitò artisti come Mimmo Paladino, Arnaldo Pomodoro, Mario Schifano e non solo a disegnare il volto di Gibellina nuova.

«Portami il futuro» è il titolo del cartellone che si distribuisce, sotto la sapiente direzione artistica di Andrea Cusumano, tra gli spazi culturali della città, perla turistica della Valle del Belìce e porta d’accesso di un territorio che offre una combinazione particolarmente felice di paesaggio, cultura e centri storici. Non solo il «Grande Cretto» di Alberto Burri, ma anche il teatro di Pietro Consagra, il Mac «Ludovico Corrao», il Belìce/EpiCentro della memoria viva e il Baglio Di Stefano, sede della Fondazione Orestiadi e del Museo delle trame mediterranee, aprono, infatti, le proprie porte alla creatività contemporanea. L'idea che attraversa tutti questi luoghi è la stessa che ha guidato la ricostruzione della città dopo il sisma: non «portare» eventi a Gibellina, ma usare l'arte come infrastruttura civica capace di trasformare l’area in un luogo di socialità in grado di attirare pubblici diversi, dagli appassionati di cultura ai visitatori in cerca di esperienze fuori dai circuiti più convenzionali, ma anche di lasciare un'eredità duratura - soprattutto in termini di lavoro nel comparto turistico – per l’intero territorio.

Le Orestiadi: quarantacinque anni di «atti di resistenza contemporanea»

Tra gli appuntamenti in agenda nelle prossime settimane, il Festival delle «Orestiadi» occupa un posto speciale. Fondata nel 1981, sempre per iniziativa di Ludovico Corrao, la manifestazione rappresenta storicamente l’anima teatrale e letteraria della ricostruzione belìcina. Il debuttò avvenne nel 1983 con l'«Orestea» di Eschilo riscritta in «siciliano poetico» da Emilio Isgrò e rappresentata sulle macerie della vecchia Gibellina, prima ancora che il «Grande Cretto» ne ridisegnasse il paesaggio.

Da allora, ogni estate, il Baglio Di Stefano e il cemento bianco dell’opera burriana diventano la scena di una rassegna di teatro, musica e arti visive, che ritorna, quest’anno, ad animare il territorio da venerdì 3 luglio a domenica 2 agosto, con un’anteprima nelle giornate dal 27 al 29 giugno. 

Questa quarantacinquesima edizione, diretta da Alfio Scuderi, porta il titolo «Atti di resistenza contemporanea», a ricordare al pubblico che organizzare annualmente un progetto così ambizioso nel territorio belìcino è stato – e continua a essere – un profondo atto rivoluzionario d'impegno civile e sociale.

A segnare l’avvio del festival sarà proprio l’opera che diede inizio a tutto: «L'Orestea di Gibellina» di Emilio Isgrò, questa volta in una nuova riscrittura installativa pensata per le geometrie del «Grande Cretto» di Alberto Burri, con un cast che riunisce Donatella Finocchiaro, Vincenzo Pirrotta, Sandra Toffolatti, Fabrizio Falco, Aurora Falcone, Federica D'Angelo, Giovanni Caccamo e Angelo Sicurella, e con la partecipazione straordinaria di Pietrangelo Buttafuoco e dello stesso Emilio Isgrò.
Sono, poi, previsti due omaggi per i centenari dalla nascita di Dario Fo e Arnaldo Pomodoro, entrambi legati alla storia di Gibellina: il drammaturgo di Sangiano, premio Nobel per la letteratura del 1997, recitò il suo «Mistero Buffo» nelle baracche subito dopo il terremoto; lo scultore di Morciano di Romagna, noto per le sue monumentali sfere di bronzo lucido installate nel tessuto urbano di molte città italiane, realizzò negli anni Ottanta del Novecento alcune installazioni monumentali per le «Orestiadi», come le scenografie per la già citata «Orestea» del 1983 e le macchine sceniche per «La tragedia di Didone, regia di Cartagine» del 1986.

A Dario Fo saranno dedicate tre serate, dal 3 al 5 luglio. Si inizierà con la messa in scena di «Francesco lu Santo Jullare» (3 luglio), per la regia di Giorgio Gallione e con Ugo Dighero: una fabulazione sulla vita del santo di Assisi, del quale ricorrono quest'anno gli ottocento anni dalla morte, che, con il virtuosistico e «teatralissimo» linguaggio del grammelot, racconterà il messaggio rivoluzionario di pace, povertà e armonia con la natura dell'autore del «Cantico delle creature».
Si proseguirà con «Libere» (4 luglio), una produzione inedita tratta dai monologhi scritti dal drammaturgo lombardo a quattro mani con Franca Rame, che vedrà in scena Silvia Ajelli, Gaia Insenga ed Eletta Del Castillo, impegnate nel racconto di tre storie al femminile tratte dalla raccolta «Tutta casa letto e chiesa» – «Una donna sola», «La mamma fricchettona» e «Medea» -, a cui faranno da colonna sonora le musiche originali di Giulia Mei.

L’omaggio a Dario Fo prevede anche un laboratorio narrativo a cura di Marco Baliani intorno a «Mistero Buffo», che si chiuderà con lo spettacolo «Lazzaro affabulato» (5 luglio).
A Armaldo Pomodoro sarà, invece, dedicato, nella serata del 18 luglio, «Danzando l’arte: le forme del mito», un progetto site specific che attraverso il gesto mette in scena i personaggi dell’«Orestea» di Eschilo in dialogo con le sculture sceniche dell'artista, a partire da testi ispirati al «Pilade» di Pier Paolo Pasolini, con la voce recitante di Isabella Ragonese, le coreografie di Federica Aloisio e Federica Marullo, le musiche composte ed eseguite dal vivo da Simona Norato.
Nella stessa serata il festival celebrerà anche la figura del sindaco-intellettuale Ludovico Corrao e la sua utopia realizzata con passione e non senza difficoltà, attraverso «Raccontando l’arte: una storia chiamata Gibellina», con testi scritti per l'occasione dal giornalista e scrittore Eduardo Cicelyn. Al Museo delle trame mediterraneo rivivranno, grazie a una visita guidata speciale, le storie degli artisti Carla Accardi, Alberto Burri, Alighiero Boetti, Pietro Consagra, Emilio Isgrò, Mimmo Paladino e Mario Schifano che, insieme ad Arnaldo Pomodoro, parteciparono alla «folle idea» di ricostruire la cittadina siciliana attraverso l’arte.

Un capitolo a parte sarà riservato a un altro amico del festival siciliano, il regista e sceneggiatore palermitano Roberto Andò, che negli anni Novanta, agli inizi della sua carriera, fu direttore artistico delle «Orestiadi»: l’11 luglio verrà presentata l’installazione «Qui la vita non è altrove», ideata con Mimmo Paladino e accompagnata dalla voce di Toni Servillo, a partire da una selezione di pagine di Leonardo Sciascia e Luigi Pirandello. Il percorso prevede anche la presentazione di un «Autoritratto», a cura di Vincenzo Trione, e la lettura del testo «Diario senza date», il primo libro di Roberto Andò, con Moni Ovadia e con le musiche dal vivo eseguite da Marco Betta e Gianni Gebbia.
Le «Orestiadi» omaggeranno anche un altro siciliano illustre, il cui anniversario della morte cade proprio nei giorni del festival: Paolo Borsellino, uno dei magistrati italiani che lottò contro la mafia. Il 19 luglio andrà in scena «Felicissima», con Federica D’Amore e per la regia di Claudio Zappalà, uno spettacolo che ricorda la figura di Felicia Bartolotta Impastato, la madre di Peppino morto nel 1978 per mano di «Cosa nostra».

Mentre tra i ritorni più attesi a Gibellina, si segnalano quelli di Antonio Rezza con «Metadietro» (24 luglio), che indaga ed esplora con comicità e surreale ironia l’essenza stessa della nostra umanità, e Marco Paolini con «Antenati - The Grave party» (25 luglio), sull’evoluzione dell’homo sapiens.
In cartellone, prima della tre giorni finale al «Grande Cretto», ci saranno anche, sempre al Baglio di Stefano, «Una festa per la capitale» con musica dal vivo (4 luglio), «Cappuccetto rozzo» con cantastorie e «burattini in baracca» (10 luglio), «Fool Moon» (25 luglio) con i ragazzi che hanno seguito un laboratorio teatrale condotto da Claudia Puglisi, e «Cimbellino» (26 luglio), un'opera di Giacomo Cuiticchio con i pupi siciliani, tratta da William Shakespeare.
Mentre le tre serate-evento di chiusura vedranno in scena: i jazzisti Paolo Fresu e Daniele Di Bonaventura (31 luglio); Marco Baliani con il suo storico «Kohlhaas», un monologo incentrato sulla giustizia e sulla dignità umana (1° agosto); e Antonio Dimartino, in un assolo per chitarra e voce dal titolo «L’improbabile piena dell’Oreto» (2 agosto). Si chiude così quella che il direttore Alfio Scudieri ha definito una «grande festa tra passato e futuro, tra storia e innovazione».

Le grandi mostre in agenda questa estate: tra ferite migratorie e interventi di arte pubblica

Accanto al teatro e alla musica delle «Orestiadi», l’estate di Gibellina Capitale italiana dell’arte contemporanea offre un articolato programma espositivo, che si confronta con temi cruciali per il nostro presente.
Nel fine settimana, al Mac - Museo d'arte contemporanea «Ludovico Corrao», che già ospita una tappa della rassegna diffusa «Prisenti» sui grandi drappi processuali per la festa patronale di San Rocco (allestita anche in altri spazi cittadini, tra cui la Chiesa Madre di Quaroni), apre la collettiva «Domestic Displacement», a cura di Giulia Ingarao e Antonio Leone, che ruota attorno al tema dello spostamento e dello sradicamento - il «displacement», appunto - come condizione strutturale del nostro presente sempre più fragile e incerto, indagando le dinamiche della migrazione, della diaspora, delle eredità coloniali, dell’erosione dei confini culturali e geografici, per comporre «una mappa instabile dell'abitare contemporaneo», in cui «la casa diventa un luogo di transito, vulnerabilità, resistenza e reiscrizione di sé».

La mostra acquisisce a Gibellina il valore di un «meta-racconto» profondo: la città che «ha vissuto lo sradicamento e ha interpretato la rinascita attraverso l'arte e gli artisti» – spiega il direttore artistico Andrea Cusmano - diviene lo specchio teorico entro cui riflettere sulle ferite migratorie del nostro mondo.
L’esposizione, aperta dal 26 giugno al 27 settembre, riunisce in tre sezioni - «Geografie instabili», «Abitare la dislocazione» e «Forme fragili della coesistenza» - i lavori di quindici tra le voci più autorevoli della scena artistica globale, ovvero Anya Gallaccio, Regina José Galindo, Mona Hatoum, Paolo Icaro, William Kentridge, Anna Maria Maiolino, Shirin Neshat, Olu Oguibe, Mária Magdalena Campos-Pons, Amalia Pica, Mustafa Sabbagh, Santiago Sierra, Holly Stevenson, Zehra Doğan e Akram Zaatari.

Sempre al Mac - Museo d'arte contemporanea «Ludovico Corrao» è stata da poco inaugurata, per rimanere aperta fino al 27 settembre, l'esposizione «Il Cretto è casa mia», a cura di Nicolò Stabile, con le immagini di Giuseppe Ippolito e le testimonianze raccolte da Giovanna Giordano. Avviato nel 2023 e destinato a diventare un archivio fotografico sugli ultimi abitanti di «Gibellina vecchia», ritratti nei luoghi che un tempo furono le loro case, il progetto è realizzato in collaborazione con il Frankfurter Kunstverein, dove il reportage, oggi arricchito di nuove immagini, era stato presentato nel 2024 nell’ambito della mostra «The Presence of Absence». I ritratti inediti e la mostra costituiranno anche l’occasione per riattivare un ciclo di incontri pubblici, momenti di confronto e dibattiti dedicati al «Grande Cretto», indagato nel suo duplice significato: da un lato straordinaria opera di arte pubblica, dall’altro luogo in cui si sedimentano la memoria del trauma, il lutto e la storia condivisa di un’intera comunità.

In questo ultimo scorcio di giugno (a partire da martedì 23) si tiene anche la residenza artistica di Flavio Favelli (Firenze, 1967), che si concluderà il 4 luglio con la presentazione al pubblico di «500», un grande murale realizzato su un edificio comunale che si affaccia su piazza 15 gennaio, uno dei luoghi simbolicamente più densi della città il cui nome ricorda la data del terremoto belìcino del 1968.
L’opera prevede l'ingrandimento in scala monumentale e la giustapposizione visiva di due banconote che hanno segnato la storia monetaria italiana ed europea, raffigurandone sia il recto che il verso: le 500mila lire dedicate a Raffaello Sanzio, con «La Scuola di Atene» e l'autoritratto dell'artista ripreso da un dettaglio del «Trionfo di Galatea», e i 500 euro, taglio ormai destinato a uscire di circolazione, con immagini di architetture inesistenti, un complesso contemporaneo sul recto, un ponte strallato che evoca quello di Messina sul verso.
L'artista fiorentino si propone così di far riflettere la collettività sul valore ambiguo, problematico ed enigmatico della carta moneta e dei flussi economici, utilizzando come supporto creativo un muro esposto allo sguardo quotidiano dei cittadini.

Nello stesso fine settimana, quello del 4 e 5 luglio, prenderà il via anche il «Gibellina Photoroad», il festival open air e site-specific che, dal 2016, trasforma la città in un museo a cielo aperto, creando un dialogo tra arte contemporanea e spazio urbano. Tra gli appuntamenti in agenda per questa decima edizione, promossa dall’associazione «On Image» e in cartellone fino al 6 settembre, si segnalano: la monumentale installazione inedita «Ruins of Renewal» dell’artista olandese Erik Kessels (realizzata con il sostegno dell’Ambasciata e del Consolato generale del Regno dei Paesi Bassi e di Mondriaan Fonds); il progetto itinerante «Roundtrip» di Alice Grassi, che parlerà di migrazioni dal Sud utilizzando come spazio espositivo le finestre delle case; e la videoinstallazione «Between» di Jacopo Di Cera al «Grande Cretto» di Alberto Burri.

Tra le mostre visitabili nei giorni delle «Orestiadi» c’è anche «Dal mare», aperta al teatro Pietro Consagra fino al 19 luglio, con opere di Adrian Paci e del duo Masbedo dedicate al Mediterraneo come orizzonte politico ed esistenziale. Mentre, negli spazi dell'EpiCentro della memoria viva, vengono proposti, fino al 31 dicembre, due percorsi intimi che, da prospettive opposte, indagano il rapporto fra arte e ricordo.
«Luce residua» di Rossana Taormina (Partanna, 1972), curata da Giuseppe Maiorana e Vito Chiaramonte, è un'installazione si sviluppa nell'ambiente ipogeo (sotterraneo) del museo. Tre neon a luce rossa ridisegnano lo spazio come fosse una via di mezzo tra una camera oscura e una rovina archeologica. Il titolo dell'opera richiama l'idea di un bagliore che permane anche quando la fonte che lo ha generato si è spenta. Si tratta di una metafora perfetta della memoria belìcina: un bagliore fragile ma ostinato, che resiste al tempo e ai tentativi di cancellazione.

«Mummie» di Philippe Berson (Parigi, 1963 – Palermo, 2025), personale per la curatela di Gaetano Costa, celebra, invece, il trentennale percorso dell'artista parigino, recentemente scomparso, che fu gioielliere per Christian Lacroix negli anni Ottanta, e che, negli ultimi venticinque anni, aveva scelto la Sicilia come patria d'adozione. Le sue sculture antropomorfe, realizzate unendo metallo, terra e bitume, con saldature minute simili a ricami, si configurano come dei memento mori ironici e disarmanti, congelati fuori dal tempo in una perenne dialettica fra fragilità e resistenza. La rassegna, realizzata in collaborazione con il Riso - Museo regionale d'arte moderna e contemporanea, ruota attorno all'installazione «Cappuccini mon amour», ispirata alle Catacombe dei Cappuccini di Palermo: una corte di figure contorte, disposte in pose di intensa forza espressiva, in bilico tra teatralità e ritualità.

Verso l'autunno, e oltre 

Il calendario di Gibellina Capitale italiana dell’arte contemporanea 2026 non si ferma, ovviamente, qui. 

Accanto alle residenze che nei prossimi mesi vedranno arrivare nella cittadina siciliana artisti come Sislej Xhafa, Giorgio Andreotta Calò e il collettivo libanese ZoukakTheatre, tra settembre e ottobre sono previste altre inaugurazioni, che porteranno l'arte contemporanea negli spazi della Fondazione Orestiadi – Museo delle trame mediterranee, della Chiesa Madre, del Giardino Segreto, intrecciando ancora una volta linguaggi diversi - dall'Art brut alla fotografia - con il paesaggio e la memoria del territorio. Si tratta, nello specifico, di: «Terra matta», con opere di Salvatore Bonura (Sabo) e Giovanni Bosco; di «Fawohodie», progetto del fotografo Francesco Bellina che mette in relazione la trasformazione urbana del territorio ghanese con le pratiche artistiche pubbliche e la rigenerazione delle città; di «Legami invisibili», a cura di Federica Fruttero, con interventi site-specific della scultrice Suzy Lelièvre, del fotografo Mathieu Oui e della performer e coreografa Mila Sarti; e di «Dialoghi di una vita. Omaggio a Peppe Morra», preziosa rassegna che coinvolgerà anche le città di Alcamo e Salemi presentando, tra l’altro, i «relitti» di Hermann Nitsch, le opere Joseph Beuys e Marina Abramović, il gruppo giapponese Gutai, le esperienze del movimento d’avanguardia Fluxus e i lavori di John Cage, Gina Pane e Julian Beck per il Living Theatre.

Se, alla fine di questo percorso a parole tra eventi e mostre, si torna con la mente tra le bianche quinte di cemento del «Grande Cretto» di Alberto Burri si comprende meglio il filo che lega tutti questi appuntamenti. Le luci rosse di Rossana Taormina, le figure di ferro di Philippe Berson, le mappe instabili del Mac, le banconote dipinte sul muro di piazza 15 gennaio, le voci dell'«Orestea» sulle macerie delle «Città vecchia» sono altrettanti modi di abitare le stesse domande, quelle che Gibellina si pone da più di mezzo secolo: come si trasforma una ferita in un linguaggio capace di dare speranza? Come si dà un futuro a delle rovine? Come si convertono delle macerie in un dispositivo critico e poetico capace di dare voce alla memoria? Il sindaco-intellettuale Ludovico Corrao, con la sua visionaria utopia diventata realtà, ci ha dato una risposta: la ricostruzione non deve essere mai solo un atto di mera ingegneria civile, ma un prolungato e ostinato esercizio di antropologia lirica.

La nomina di Gibellina a Capitale italiana dell'arte contemporanea restituisce alla comunità internazionale questa certezza: i resti di una città terremotata, laddove fecondati dallo sguardo dell'arte, smettono di essere il perimetro monumentale del dolore per farsi cantiere aperto, spazio pubblico e, infine, costellazione di futuri possibili, dove le crepe del passato si aprono a nuove possibilità di visione. Ed è proprio questa capacità di modificare un luogo di distruzione in uno spazio di elaborazione collettiva e di nuova immaginazione che rende, oggi, Gibellina uno dei racconti più forti e più distintivi della Sicilia.

Didascalie delle immagini

1. Gibellina. «Grande Cretto» di Alberto Burri. Archivio Regione Siciliana. Foto di Just Maria; 2. Gibellina. «Grande Cretto» di Alberto Burri. Archivio Regione Siciliana. Foto di Just Maria; 3. Mimmo Paladino, Montagna di Sale, 1992. Gibellina, Trapani. Siae 2025; 4.  Una scena di «Francesco lu Santo Jullare», per la regia di Giorgio Gallione e con Ugo Dighero, in scena il 3 luglio 2026 a Gibellina nell'ambito del Festival delle Orestiadi; 5. Immagine promozionale de «L'Orestea di Gibellina» di Emilio Isgrò, in scena dal 27 al 29 giugno 2026, al«Grande Cretto» di Alberto Burri; 6. Arnaldo Pomodoro, «Aratro di Didone», 1986. Gibellina, Trapani; 7. Vista del Museo delle trame mediterranee della Fondazione Orestiadi; 8. Paolo Fresu e Daniele Di Bonaventura, in scena il 31 luglio 2026 al Festival delle Orestiadi; 9. Marco Baliani in «Kohlhaas», in scena il 1° agosto 2026 al Festival delle Orestiadi. Foto: Luca Deravignone; 10. Akram Zaatari, «L YM BSM. Ancient World New Age», 2026. Signed, dated, titled recto ink and acrylic on mulberry paper, 63.5 x 91.5 cm. 25X36in. © Akram Zaatari. Courtesy the artist, Sfeir-Semler Gallery and Thomas Dane Gallery. Opera esposta nella mostra collettiva «Domestic Displacement»; 11. William Kentridge, «Three Citizens», 2024 Courtesy Galleria Lia Rumma Milano_Napoli. Opera esposta nella mostra collettiva «Domestic Displacement»; 12. Ignazia Fontana. Foto di Giuseppe Ippolito. Opera esposta al Mac - Museo d'arte contemporanea «Ludovico Corrao» di Gibellina, nell'esposizione «Il Cretto è casa mia»; 13. Anna Maria Maiolino, «Sem Título (Untitled)», serie Leonardo «Engenho-Fotopoemação», 2007, Fotografia a colori, stampa digitale, cm 110x79. Courtesy the artist and Galleria Raffaella Cortese, Milano - Albisola. Opera esposta nella mostra collettiva «Domestic Displacement»; 14-Flavio Favelli, Cinquecentomila, 2025, smalto su tela trovata, 54x65cm; 15. Vista della mostra «Dal mare, dialoghi con la città frontale». Masbedo, Adrian Paci, Teatro di Pietro Consagra,Gibellina, 2026. Foto di Gaia Giardina; 16. «Luce residua» di Rossana Taormina. Installazione. Archivio di Belìce - EpiCentro della Memoria Viva 2025. Foto: Giuseppe Maiorana; 17. Philippe Berson, Cappuccini (dettaglio). Foto di Gaetano Costa. Opera esposta nella mostra «Mummie» di Philippe Berson; 18. Salvatore Cuschera, «Scultura sdraiata», 1992. Gibellina, Trapani; 19. Giuseppe Spagnulo, «Scultura senza titolo», 1974. Gibellina, Trapani

Informazioni utili 

https://gibellina2026.it/

https://www.fondazioneorestiadi.it/

http://visitsicily.info/

https://geoportale.osservatorioturistico.regione.sicilia.it/